Suede【Bloodsports】

【偏見搖滾筆記】
here comes the reunion!!!!!! Brit-pop 未死。只是...



其實我從沒想過 Suede 在吉他手 Bernard Butler 以【Suede】（1992）、【Dog Man Star】（1992）前兩張專輯令人驚艷的吉他英雄式個人特色為樂團在 Brit-pop 浪潮中打下大片江山離團後再歷經【Coming Up】（1996）【Head Music】（1999）與【A New Morning】（2002）三張「後 Butler 時代」專輯然後隱跡江湖長達約莫十年之後，還會重拾老招牌再次發表全新專輯。2005 年的 The Tears 雖然有主唱 Brett Anderson 和 Bernard Butler 雙核心重新合體，但無論聽起來多像 Suede 卻終究不是 Suede 吧。有 Bernard Butler 在陣中的 Suede 才是最美好最令人懷念的 Suede。



新專輯名稱【Bloodsports】雖然有點血腥暴力，但聽過整張專輯後倒也沒有那樣尖銳殺傷深刻見骨。即使嚴格說來大叔們寫歌的主旋律、使用的和弦及編曲 patterns 比起十年二十年前好像也沒有變化更新太多，但也說不定其實我們這些在九零年代就是聽著【Dog Man Star】長大的英搖樂迷根本也就沒有希望重組新生回歸後的 Suede 有什麼風格上的劇變啊。i'm totally okay with it is right now as it used to be。

在 1994 年起便接替起 Butler 的第二代主奏吉他手 Richard Oakes 這次開始在新專輯裡多錄了更多交疊的吉他音軌，而不像前幾張專輯保持只有一把吉他 riff 跟著 Brett Anderson 的 vocal 聲線、Neil Codling 的鍵盤和弦與和聲分庭抗禮的慣例，Oakes 這次更願意用兩把以上的吉他相互交纏編織出更綿密的兩條聲線音軌，我個人認為這個錄音編制的 Suede 專輯比以往更有聽頭，縱使或許沒有 Butler 那麼吉他英雄的姿態，卻讓新的 Suede 聽起來又像舊的 Suede 也還是同時多了那麼一點點不同的小心意。而更令我初聽第一直覺就印象深刻的是，Brett Anderson 那曾被稱為「英國高凌風」的鼻腔共鳴唱法在新專輯裡已經沒有那麼明顯，人只要能夠唱歌，果然就不會只有一種唱腔技巧可以運用的嘛。某些樂團主唱覺得非得這樣那樣咬字發聲才能唱歌或演繹表達出歌曲正確情感的想法，在我看來還是畫地自限多過於自我認識。我覺得唱歌時鼻腔共鳴不要用太多還是會較容易聽得到更多真實的情感，嗯嗯哼哼的唱腔太容易顯得 overacting 就會有點矯情，寧可聽妳直接扯破喉嚨都勝過為了追求音準而以最習慣最舒服的方式運氣通過鼻腔共鳴來唱完每字每句。就算小情歌可以這樣唱，妳也只寫出一首小情歌而已，大情歌就不見得還適合了，未必要堅持只有這樣才是自己的聲音。



在幾乎是史上最不可能復合的 The Stone Roses 找回吉他手 John Squire 跟主唱 Ian Brown 破鏡重圓後，目前為止一年來的復出巡迴演唱還多半只是開著首張同名專輯【The Stone Roses】和 B-Side【Turns Into Stone】的舊作居多，想在現場多聽到幾首第二張專輯【Second Coming】裡的歌真是難之又難，更別提不知究竟是否還有聚首寫出為了推出新專輯而創作的新歌；超過十年沒有新專輯的 Blur 也又開始活動了，今年還要來台灣開演唱會，可是目前還沒有新專輯的消息；噢對了 My Bloody Valentine 今年年初也發表了睽違十二年的新專輯，聽起來也跟前兩張專輯都很像；「搖滾變色龍」David Bowie 新專輯【The Next Day】距離上次發片已經相隔十年，The Smith 的吉他手 Johnny Marr 今年新作不另外掛上樂團團名「Johnny Marr and the Healers」而只有自己名字或許才算是個人首張單飛專輯【The Messenger】，而更感人或更驚悚的是連早已過世四十幾年的 Jimi Hendrix 今年都有新專輯【People, Hell and Angels】問世；Oasis 兄弟鬩牆後兩個 Gallagher 各自有了 Beady Eye 跟 High Flying Birds 作為新歸宿，以創作能力來說雖然讓樂迷跟著喊大哥是對的，但平心而論大家都還是最期待聽到 Oasis 最膾炙人口的那些經典金曲，也期待兩兄弟終有一日重修舊好再度合體，畢竟血濃於水啊...

舉這一大堆有個共同點的近似例子是想說，其實我也不知道這些小時候就在聽的樂團教會了我認識搖滾樂的幾個不同面向，然後她們就都各自曾經消失了好一陣子，而當她們重新回歸，有時候我也不太能輕易判斷究竟只是大叔們年輕時的積蓄花光了所以又要出來扛著長出蜘蛛網的老招牌賺點贍養費拚一下經濟搶救一下口袋，還是真的看破人情世故的悲歡離合，願意用更超然淡定的心再續前緣追求一個新的人間完滿？









everything will flow, c'est la vie, that's the way life goes on. however it would be great to start and end with the same guys in one's life. but is it a new beginning or is the reunion just coming back for a closure?

　　 　 　

孫燕姿

一開始見到她的人、聽到她的歌，我便很喜歡很喜歡很喜歡這個從新加坡來的女生。我看到了她應該值得被更多人喜歡的特質，也很熱心地向周遭友人推薦這個新的聲音，但是我並沒有預見到她會如此大紅大紫，不但順利拿下金曲獎最佳新人獎，更能躍升為歌壇小天后和排行榜暢銷常勝軍。

套句當時唱片公司為她所下的宣傳文案台詞：「沒有一個 22 歲的女生，像她這樣唱歌。」她是孫燕姿。

2000 年那個夏天，我在《PASS 派司音樂雜誌》上利用這麼一個小方塊，試著推薦當時知名度還不太高的孫燕姿和她的首張同名專輯。那個時候我只是個喜歡音樂的學生，從那些知名樂評人的示範中學著也整理自己聽音樂的心得，訴諸文字，自由投稿到雜誌社以跟更多同好們分享。我不太敢挑太大牌的樂團或唱片公司正狂力主打的歌手來寫，因為猜想那些大概早就都是某些寫手大大們的守備範圍，但我更沒有足夠的能力和見識來介紹太冷門的獨立音樂，所以我通常會挑剛出道還看不出能紅到什麼地步的新人、新興樂團來寫，或是某些大堆頭的合輯，或是可能太流行大大們大概有些不屑一顧但仍有一定水準值得一聽的片子。孫燕姿正是我當初看好可以下手的對象。

藝人：　　孫燕姿
專輯名稱：孫燕姿
發行公司：華納音樂，2000

她很年輕，外貌討好，清爽自然，是廣告商會鍾意的那型女孩。她咬字清楚，嗓音頗有特色，是辨識度極高的快紅新聲。她 22 歲，彈鋼琴，來自新加坡，她是孫燕姿。首波主打《愛情證書》有討好市場的流行曲調，早能在 KTV 裡預約高點播率，《天黑黑》更是深深打入聽眾的心，鋼琴伴奏悅耳，詞義深遠頗能引起共鳴，演唱的感情更肯定使聞者無不動容，堪稱國語歌壇難得的佳作。專輯裡幾首融合 folk-ballad、輕搖滾的《超快感》《自然》在新加坡樂手的襯托下呈現出決不是市場上慣例少女偶像歌手泡泡糖舞曲所能展現的雀躍輕快情懷，其中的貝斯聲線尤其搶耳值得細細品味。另外《終於》有點西洋紅髮另類女伶 Tori Amos 的味道，而燕姿也貢獻了一首自己的創作《很好》在在都讓這張同名專輯在一片市道風行的 R&B 之聲外，提供了清新的另一選擇。除了整體呈現的感覺略顯超齡成熟，對於這張【孫燕姿】首張同名專輯，我沒有什麼好挑剔的了。

█ BIAS June 2000

這篇文字刊登出來的同時，唱片公司已經開始狂打《天黑黑》，這是一首即使不必強打也必然會自動跳出來、引起廣泛共鳴的經典流行佳作。也差不多是同一個時候，發生了台中簽唱會的槍擊事件。我不敢說這個事件的發生對孫燕姿後來的事業發展會有多麼正面的效果，顯然也不會是因為我在個傳閱率並不高的免費刊物上寫過什麼文字的功勞，但我們的確可以非常確定旋律容易琅琅上口、詞境也很深入人心的《天黑黑》已經在市場上發酵擴散，成了當下最熱門的點播歌曲，孫燕姿的通告也始終滿檔，人氣買氣更直升不墜。

然後我爭取到了在 EMI 唱片公司企劃部為更多樂迷服務的工作機會。竄紅的孫燕姿成了我們家歌手藝人最可敬的對手。我還記得當她在不到半年的時間內發表了第二張專輯【我要的幸福】並在中正紀念堂廣場舉辦發片演唱會的那一個傍晚，天空中飄著毛毛細雨，公司裡有同事看著娛樂新聞台的 SNG 現場直播報導還問我不是很喜歡孫小姿嗎怎麼不去參一咖。嘿！我們家自己藝人也發片在即，我還有重要任務在身啊，可以走嗎？我的主管這時走了進來，問我如果同樣人氣鼎盛的蕭亞軒跟孫燕姿強碰，誰在市場上比較有勝算。我幾乎不假思索有我自己的答案，而且我知道那跟我的個人喜好無關，但既然蕭亞軒當時是咱百代體系的小天后，我一個剛進公司的小菜鳥也不好意思誠實回答太刺耳的答案。

流行取向的跳舞音樂，即使作得水準一般，只要穿得清涼火辣，運氣再好一點，或許仍有一定的市場熱度，但若拉長時間縱線來看，恐怕不容易持續被觀眾喜愛、記憶，並願意不時回頭找尋回味。我想孫燕姿的製作 team 在當時的確抓對了方向，從後來台灣華納音樂總經理周建輝先生出版的書籍【打造】，就可以看到當初她們的決策過程和選擇與堅持為何。

【偏見搖滾筆記】

藝人：　　孫燕姿
專輯名稱：自選集 START
發行公司：華納音樂 2002

Strange Little Girl

Strange Little Girl。有點陌生卻又似曾相識的歌，記得當時年紀小的回憶，人氣無敵的華語流行樂壇小天后。【Strange Little Girl 怪怪小女生】同時也是西洋氣質女伶 Tori Amos幾個月前剛發表的顛覆翻唱之作專輯標題。

要評價一張翻唱專輯大致上並不特別困難，關鍵字是「版本」，緊扣的精神則是「經典」與「超越」。在流行樂壇中，常常一首歌抽掉電吉他跟鼓的音軌也就足以構成另一個什麼「抒情版」去跟「搖滾版」「激情版」相對了，但那其中的說服力卻往往是薄弱的。拿翻唱這碼子事來說，翻唱可能是為了致敬，也可能是為了「見賢思齊」的搭銷量便車，這是以動機論；在音樂成品的表現成就上來說，翻唱的成績就只有瞠乎其後簡直辱沒原版、全盤兼顧尚稱不失乃風、或者天馬行空畫龍點睛的顛覆與超越三種情形。

這一張孫燕姿的自選集，選的是孫燕姿個人生命中音樂路程上的幾首別具意義的歌曲，在動機上應屬紀念與致敬，比起如動力火車之流刻意親近點播排行榜的口水組曲，這類自選集該是還多了幾分誠意的。所以我們聽到了燕姿小時候跟著孫爸爸哼唱的《橄欖樹》，聽到了燕姿生平買下的第一張唱片的藝人 Alanis Morissette 的《That I Would Be Good》，聽到了燕姿在學生時代跟著姐姐同學一起感動一起 high 的《Hey Jude》跟《Venus》，聽到了進入演藝事業之初夢想跟偶像一樣閃耀的《沒時間》《原來你什麼都不要》《天空》，還聽到了生平賣出的第一首創作原型《Someone》，另外則是出道後聽說聲音特質有點像就唱了的《Silent All These Years》跟小時候家庭旅遊穿著小男友送的衣服參加歌唱比賽選唱的《Sometimes Love Just Ain't Enough》。嘿！這理由會不會稍微牽強了點哪？幾乎是綜藝節目成語造句的「老王得到一張匾額...」的耍賴法了嘛，呵呵。但生命有時就是這樣，沒有什麼道理好講的，這仍是十首在燕姿生命裡產生過某些作用的歌。專輯最後還附加兩首破壞原本完整概念的廣告歌。其中《就是這樣》並且還是先前【風箏】專輯改版後的限定加贈單曲，大概是上一張商業機制操作過頭的虧心補償吧，但這種今是昨非的動作又會破壞原本的策略，至少等到下一張全新大碟再附上這兩首廣告歌才不會也縮短改版專輯的生命週期嘛，自動湊上「果然為了賺錢無所不用其極」的不打自招，平白又折損一次華納音樂在消費者心中的威信形象，嘖！

回到音樂。前面提到過，翻唱總是會被拿來跟原版比較，如果還有其他翻唱的版本，當然也會被一併放在同一個天平上被檢視。愈多不同的翻唱版本同時也意味著該首原曲不可動搖的經典地位。而有些經典之所以是經典就是因為她們確有難以被超越之處，The Beatles的《Hey Jude》有溫柔的關懷，最後的 na na na na 大合唱是世界一家的愛與和平大和解，即使在先前唱到一句better better better better 漸漸激昂的段落，燕姿遵循 The Beatles 原曲吃力拔尖的勉強吊嗓卻因人單影隻而顯得太過單薄也都是可以被原諒的小缺憾了；Tori Amos 的《Silent All These Years》本身已成經典的簡單鋼琴演奏在任何翻唱版本裡都是被一再重複不忍稍作更動的經典樂句，當年王菲的國粵語版本在編曲與唱腔上選擇了幾乎是百分百重現的完全復刻，而燕姿的版本則加重了其中段落的節奏，加上巧妙設計過的真假音轉換唱腔，雖然不及 Tori 原汁原味的淡淡幽怨有種適當留白的美感，卻增強了情緒的轉換，仍是相當精彩過癮；燕姿版的《橄欖樹》不比齊豫美聲演繹不食人間煙火的高雅，但樂器演奏與聲效在高低音音場的相互補位製造出了寬廣的飄零空間，詮釋起老爸那個年代的民歌仍是仿若黃梁一夢，比起同時間亦選擇翻唱的費翔那造作過頭的成就平平版本，更是多得一派少年清純的夢幻浪漫；翻自經典舞曲團體 Bananarama 名曲的《Venus》隨時遞移翻新的搖滾化編曲帶點復古卻又不會顯得老氣，擺動的節奏配上自信的唱腔，塑造了新時代的潮流美神；Patty Smyth 跟 Don Henley 合唱的《Sometimes Love Just Ain't Enough》本就是叫人心碎的抒情小品，但這樣的詞曲以燕姿二十出頭的清純年紀唱來雖然仍悅耳叫人動容卻略嫌老成，說服力恐怕不及由在影集《Ally McBeal 艾莉的異想世界》裡駐唱的 Vonda Shepard 之類的成熟歌手配合都會男女愛情觀的劇情來唱上一段吧；正式出道前寫給同門師姐鄭秀文的《知道的請告訴我》原曲《Someone》雖是學生時代的處女創作卻已經相當成熟，比起鄭秀文抒情版本的《知道的請告訴我》當然《Someone》才是原汁原味，真假音轉換的曲調頗有其偶像之一 Alanis Morissette 女力搖滾之風，而真唱起 Alanis Morissette 的《That I Would Be Good》當然也就游刃有餘；翻自莫文蔚的《沒時間》張惠妹的《原來你什麼都不要》與王菲的《天空》除了編曲配器音色上的些微調整外大致上並沒有大幅度的更動，《沒時間》有點例行公事了事的作法與唱腔上的模仿反而讓原版本刻意營造的復古調調消失殆盡，其實並不是成功的版本，也許如果能夠找來同門師弟 Zip 一塊演奏莫文蔚先前翻自中國花兒樂隊的青春龐克《消滅》會更有行銷造勢的功能與樂趣吧；至於《原來你什麼都不要》與《天空》都是兩位前輩天后早已相當受市場歡迎肯定的熱門大作，既然無心如美聲團體 IPIS 蟑螂兄妹在版本上作變化與挑戰，自是平淡無華甚至味如嚼蠟可有可無，《天空》放在專輯結尾在氣勢上其實是愈來愈軟弱無力的，後面附贈的兩首 bonus tracks 廣告歌《就是這樣》與《Up 2 U》雖然熱熱鬧鬧幫忙挑起重新暖場重擔，但畢竟是突兀的，至少以另一張單曲 CD2 分開會比較不至於破壞自選專輯的原始完整概念。

身為銷售排行榜與點播排行榜的雙料冠軍人氣小天后，期待孫燕姿必須以創意顛覆與開拓音樂新版圖的冒險精神一如 Tori Amos 怪怪小女生之姿優先於穩紮穩打鞏固既有市場的平民偶像毋寧是太強人所難未免不合商業邏輯行銷常理，但是要求製作班底在製作內容音樂水準上維持相對的高檔卻應該是合理正當的最低限度期許。雖然以目前孫燕姿過於密集頻繁的發片量與稍嫌漸漸失色的成績來看還有很大的進步空間，但我們應該仍很高興這些作品至少都仍是水準之上的佳作，仍是成功地為最大眾口味的流行音樂建立了一個可資模範的高標。這張【自選集 START】在回溯孫燕姿個人音樂成長路程的同時，也可能是其萬眾年輕歌迷接觸到如 The Beatles、Bananarama、Patty Smyth、Don Henley（甚至因誤植而發現另一位偉大的搖滾教母 Patti Smith 或者由 Don Henley 再輾轉得到 The Eagles 的連結）等經典音樂作品以及如 Tori Amos、Alanis Morissette 等西洋流行樂界中不可多得佳作的契機與起點，也許不見得即時反應在唱片行部分經典專輯的銷售量上，但我相信至少在分享檔案的交流網路上，下載燕姿所翻唱過原曲的頻率應該也有明顯增加的趨勢吧。某綜藝節目裡曾經流傳出一句名言：「偶像是有社會責任的。」孫燕姿以回顧個人音樂啟蒙的尋根之旅為流行音樂市場中年輕族群拓展了新視野的一道窗口，只要樂迷們能夠跟著展開對於經典優質音樂的自我追尋旅程，則無論孫燕姿翻唱版本表現是否真的能夠超越經典原唱，其實都是功德一件。

█ BIAS January 2002

從同名專輯【孫燕姿】開始，歷經【我要的幸福】【風箏】和翻唱專輯【自選集 Start】，大約是孫燕姿音樂事業的第一個高峰。我一直覺得，孫燕姿的音樂對華語歌壇最大的貢獻，在於她為流行歌樹立了一個聽來不至於太無聊的高標，值得業界其他競爭者好好看齊。但那或許真的只是我個人覺得，不只是因為「沒有一個女生像她這樣唱歌」，也因為這個環境裡太多濫竽充數的傢伙只懂得用低級或無知的方式抄襲模仿，最多也只得其形、未得其神。說這兩年多來的時間是第一個高峰，另一層的意義就是「再來就有點走下坡了」。我說的不是商業成績，而是專指專輯的音樂內容品質。

出片出得過度頻繁，製作班底卻大致上仍是那固定幾個合作對象，勢必要將所有人的能力壓榨到一個難以負荷的極限。到了【Leave】【未完成】時期，其實我已經不太分得出哪些歌是收錄在哪一張。加上這個圈子裡很多主事者大抵都相信她們的造型師好朋友 Roger 鄭建國在洗髮精廣告裡說的「已經作對的事情，何必再改變？」保守哲學，慣找同樣的攝影師、MV 導演、平面設計來打造消費者熟悉的視覺印象，即使偶爾換了人，也還是以蕭規曹隨的原則要求新合作夥伴控制她們的「quality control」。她還是擁有一開金嗓便能讓普通的歌化腐朽為神奇的好歌喉，自出道以來已經兩三年過去，還是沒有一個 24、25 歲的女生像她這樣唱歌（倒是這段期間以來又竄出另一個影歌雙棲的小女生，剛發片時其可恥的唱片企劃居然大膽公然盜用寫出「沒有一個 21 歲的女生是這樣唱歌的！小小的身體，卻發出巨大的聲音能量！」的文案，真讓人對這些傢伙感到失望，沒創意無所謂，沒誠意又不要臉就萬萬不行啊）。孫小姿的唱片仍然賣得呱呱叫，幾乎打遍天下無敵手，至少也還是跟周杰倫、S.H.E、五月天等當紅炸子雞呈現平分秋色的局面，但實際上，能夠在歌迷耳朵裡留下印象的好歌確實是少了，這一點可以從 2003 年宣布要暫別歌壇一年之前所推出的雙 CD 精選輯【The Moment】裡收錄自後兩張專輯的歌曲少得可憐、而【Leave】之後的專輯發行首波宣傳點總是在又一次大手筆前往哪個異國取景拍攝 MV 這種跟音樂製作本身無直接關連的地方作文章，多少都看得出一些幕後支援漸漸顯得後繼無力的蛛絲馬跡端倪線索。

我還記得燕姿幾年前曾被實踐大學邀請擔任特別講師，以自身唱片小天后的成績和往日在新加坡大學修習行銷課程的學歷跟同學們分享「音樂行銷」方面的實戰經驗。燕姿在宣傳、媒體、好奇的學生、歌迷們層層包圍下在擁擠的講堂上被問到關於「唱片預購及改版」風氣的問題，以及這個動作在唱片行銷上有什麼正面意義，燕姿的回答跟「反盜版」有些關係，而她那自台中簽唱會槍擊事件後便一直專事燕姿褓姆工作的宣傳「剛媽」忍不住跳出來回答：「不，這是跟宣傳有關。每次活動有不同的宣傳點，才有新話題能透過媒體帶給消費者」。我個人並不認為剛媽的回答才是正確答案。唱片的預購跟改版，對消費者而言這些產品最重要的附加價值在於有哪些夠吸引其願意掏出腰包的特典贈品，而特別在預購的部分，唱片公司可以在還未有盜版品及非法 mp3 於市面上流通前便透過預購確定一定的銷售量，這正是對抗盜版的最佳利器之一。當然也不是每個歌手樂團都有本事玩這套，展開預購活動但買氣不佳只是徒然丟臉而已。剛媽講的「事件行銷」當然也是有必要的公關新聞操作策略，但一時的見報率、曝光率如何並非消費者所關心的話題，把重點放在這上頭錙銖必較，反而可能讓注意到這則新聞的樂迷們體認到自己在唱片工業中被當作肥羊任人宰割的定位。如果不是像孫燕姿當時已經是頂天立地的堂堂天后，預購、改版再多次，又有什麼媒體願意買妳的帳？

如果工作 team 裡的領頭級人物對於歌手藝人的定位和行銷策略有了錯誤或保守的規劃及認知，或是對時空環境失去與時俱進甚至洞燭機先的視野與展望，那麼即使已經行之有年而且奏效的工作模式及黃金組合都可能因為保守又僵化而漸漸失色蒙塵。已經作對的事，還是有必要視情況而改變。就算不敢有大動作的變化，至少也得確定想要保持不變的這個部分都是不該驟然撤換改變的。譬如說，不要以為所謂「音樂精靈」，就只是在打安全牌的動人抒情歌之外，再加上一首有點另類感的快歌當第二第三波主打，就可以收買挑嘴樂迷的脾胃，《超快感》《零缺點》《綠光》《作戰》《神奇》《懶得去管》《奔》《慢慢來》在各專輯中似乎都扮演著一樣的角色、被賦予著相同的任務。這就是一種漸漸僵化的思考邏輯。誠然孫燕姿每張專輯裡每次我最期待的就是這個部分，但這幾首歌裡我找不到真正能跟《超快感》匹敵的。而我想其中的關鍵在於參與編曲錄音的樂手，能夠賦予這些作品什麼樣的生命力。我是新加坡錄音樂手界彈貝斯第一把交椅 Andy Peterson 的超級大風扇。吼～ Andy Peterson 這個元素才是比專輯封面攝影、首波主打 MV 導演必找黃中平擔綱更不可或缺、不宜變動的合作對象啊！噗～這抱怨只是來自我的個人喜好，大概無關普遍行銷效果。但每張專輯在視覺印象上都長同一個樣也實在是夠了。尤其黃中平是那麼堅持固定在任何作品中置入明顯相同個人風格標誌的作者。孫燕姿是那麼特別、有個性、真實的女孩，卻總是要跟其他歌手藝人分享相同的視覺風格，燕姿自己獨特的個性反可能都被導演的個人風格給吃掉了。我個人比較欣賞名氣可能稍小，但對作品要求更見細膩的徐筠軒導演（為燕姿執導過《開始懂了》《任性》等），而畫面構圖及質感還是跟黃中平、林錦和等前輩一樣乾淨漂亮美觀。

【The Moment】是一張夠水準的精選輯。精選的部分既然跳過了【Leave】【未完成】大部分的曲目，也就避開了代表性不足的隱憂。而六首新歌則幾乎支支強打，光兩首慢版抒情主打《The Moment》和電影主題曲《遇見》就已經都是《天黑黑》之後難得的水準以上之作。我甚至認為這樣的佳作同時放在新歌加精選裡好「浪費」，大可以另作單曲或 EP 發售，分別收錄於該精選輯及復出歌壇之後的新專輯即可，平平可能是同一隻羊剝兩次皮，或許這樣的操作方式會更具經濟效應，而因為歌曲實在動人好聽，歌迷的抱怨聲浪也不會太大。去年年底推出的【Stefanie】的確收錄了兩首趕不上精選輯發行的廣告歌，但就特別顯得跟專輯其他新作的曲目格格不入，又沒那麼好聽。這種作法對樂迷而言就可能只感受得到商業剩餘價值的再利用，而燕姿音樂作品的完整性再度被犧牲，但效果並不好，既然從過往經驗看來唱片公司並不特別在意「產品生命週期」這回事，真的不如改收或直接再加收《The Moment》或《遇見》，對消費者還比較有吸引力。

我還是很喜歡很喜歡很喜歡孫燕姿這個歌手。她的歌聲有一種特殊的靈性，而根據我曾經有過私下近距離觀察她的機會，我覺得她也的確擁有一些很吸引人難以抗拒的特質與真實個性。像昨天我寫得不好的陳綺貞，我覺得孫燕姿對我而言也是個可遇不可求的 100% 女孩，只不過還帶有更多的中性／無性特質而已。而那中性／無性特質還能比陳綺貞吸引到更多女生的喜歡吧我想。這麼特別的明星魅力，真是太棒了。身為一個企劃人員，我也真的很希望有機會能作到擁有和燕姿接近特質的歌手呢。不一定需要像她那樣暢銷熱賣廣為人知，就已經是個難度夠高的大挑戰，但我想也會帶來很大的成就感和滿足吧。讓喜歡她的人更喜歡她，而非對其公司感到厭惡抱怨，對我而言會是比讓更多的人都知道她都想來買她的唱片更艱鉅的任務呢。

音樂這條路上，我總覺得作唱片是一個販賣夢想也製造夢想的產業，而既然是跟聽者搏感情、拚夢想，誠意永遠應該要比創意或其他任何事情都重要。我真的很喜歡很喜歡很喜歡孫燕姿這個歌手。我對燕姿的作品永遠永遠都抱著一種高規格的期待，我希望她的音樂永遠能夠帶著更多的誠意，就像當年我們第一次驚豔於 22 歲的女生怎麼能夠這樣唱著歌一樣。

我想我永遠也沒辦法跟她一樣唱歌，但我很希望能變得跟她一樣瘦，瘦到沒有胸部沒屁股沒大腿沒掰掰肉才是超美的啦。嘿，我想我得了～愛姿症候群～ 我好喜歡好喜歡好喜歡孫燕姿哦... >///< *羞*

　　 　 　

陳珊妮

一開始是喜歡她那逸出一般規格的天馬行空想像力，還有描寫現代人都會生活的貼近感。猶如一篇心思細膩的小品散文，也像一幅彩色鉛筆的隨手塗鴉。後來漸漸適應她抽離第一人稱我格的創作新取向，愈見精緻、也更形聰明。就像我們都愛看《F．R．I．E．N．D．S》、《Sex and the City》等影集一樣，她的音樂漸漸像是一種都會生活的必然產物。她搖滾，她也電氣。她自成一格，還冰雪聰明。異常冷冽地，冰雪聰明。

從來就愛陳珊妮，從來就愛。

我最喜歡的作品大約是在 1997 年現場錄音專輯加精選【當壞人還沒變壞的晚上在女巫店+不能忽略陳珊妮】與其後連續兩張專輯【我從來不是幽默的女生】（1999）、【完美的呻吟】（2000）這個階段。也包括該時期她為其他歌手如楊乃文、糯米糰、脫拉庫、鄭秀文、許茹芸、蔡依林、伊能靜等所製作的作品。

【偏見搖滾筆記】

藝人：　　陳珊妮
專輯名稱：我從來不是幽默的女生
發行公司：友善的狗，1999

從來就愛陳珊妮

陳珊妮是怎樣一個人？珊妮的音樂該呈現如何一種風貌？

「我從來不是幽默的女生。」珊妮唱道。幽默或者嚴肅，冷漠或者熱情，簡樸或者機巧，生活或者擬幻，流派或者破格，聽畢一遍【我從來不是幽默的女生】，我想，珊妮的音樂正如珊妮本人，從來不該被定元以觀。

從【華盛頓砍倒櫻桃樹】開始，珊妮的音樂就如這新專輯側標文案所描述，一直在改變，永遠最前面，總能帶給聽者們最多的驚喜，尤其是富於現代詩氣質的歌詞搭配上前衛的編曲概念，即使在歌曲旋律上或許略顯簡單，卻才是瑕不掩瑜地形成個人特色，滿足樂迷們挑剔的耳朵。而這次，【我從來不是幽默的女生】就再一次座落於料想之外的境地。聆聽新專輯，體驗到的珊妮卻與文案所寫「褪去以往的酷異女生的疏離敢感，蛻變出一個自信輕鬆的嶄新面貌」大相逕庭；對比過往的作品表現，可以發現珊妮今回不論在詞曲唱腔都有極不同的轉變。自從寫給林曉培的《煩》大受市場肯定，證明了其愈來愈懂得掌握足以傳唱街巷的悅耳流行曲調，展現在新專輯裡，舉凡《來不及》《美麗的女生》《ㄐㄧㄢ視》《好話》《肥胖者的悲哀〉等，莫不益顯其愈發成熟的作曲功力。此外，珊妮這次大量減少使用過去那種直著嗓子的喉音，多以氣音及鼻腔共鳴的轉音技巧表現，搭配其極富個人特色的對位和聲，的確是一場悅耳的感官饗宴。

然而坦白說，自己最不能適應的，乃是珊妮的詞。再不是我所能理解所能懂得所指為何所能分辨主體客體的文字書寫，其觸角也從已往私密的自我生活小扎（如《到海邊》《一線天〉《看場電影》...等）到角色扮演身份代入的社會關懷評論（如《忽略》《天冷 怕黑》《往高雄的最後一班列車》《只有屁股的人》〈當壞人還沒有變壞〉…等）轉變而為焦距較模糊的慧黠寓言（如《來不及〉《ㄐㄧㄢ視》《肥胖者的悲哀》…等），這樣的詞作隱藏了過往一貫流露的女性前進意識鋒芒，曖昧化了議題的艱澀深度，取而代之的是一種撲朔迷離難以捉摸親近的距離感，加上向西洋樂壇 Trip-hop, alt-folk 取材的編曲演奏，更構築了個迷離冷調酷異幻眩的整體氛圍。個人尤愛《美麗的女生》的輕快浪漫甜蜜，<夏雪>延續珊妮一貫創作特色，詞曲均臻完美，貫串全曲的單吉他演奏更是完全勾動著我的聽覺神經，堪稱最具個性的代表作。《等一個人》在 funk-rock 放客搖滾的功架裡，吉他，鼓，MIDI，貝斯呈現了細緻的精彩演出又不至於搶走彼此的風采，《ㄐㄧㄢ視》則直教人聯想起加拿大 Alanis Morrissette 的《All I Really Want》，《肥胖者的悲哀》在甜美的旋律及後段進場的 wah-wah 吉他聲效搭襯下，卻是一種故作輕鬆的無奈姿態。

珊妮自言從來不是幽默的女生，而我卻為何總是偏見的搖滾一派？也許撕去不知何時貼在珊妮身上的「臺灣第一搖滾女傑」標籤，別去深究什麼前進意識的女力搖滾別去執著什麼生活小品式的現代詩，到誠品，到女巫店走一圈，看她抱著把空心吉他，用力刷弦自信滿滿地唱「我就是喜歡我是不做作的那種女生…煩哪！！」我會慢慢適應珊妮的轉變。

█ BIAS April 1999

1999 年這張【我從來不是幽默的女生】，是陳珊妮的第五張專輯。從 1992 年初次發表作品走到了第五張個人專輯，陳珊妮無論對音樂元素或歌詞文字的掌握，都到了一個進化昇華的階段。她的創作開始變得洗鍊，曲式結構和意念表達也都更見精準。找到了香港女創作人李端嫻合作，帶進了更都會感的電子音樂風格和精緻的錄音品質，也促成了之後加入可樂王怪奇機車白爛創意虛擬組合拜金小姐的誕生。

吉他一直是陳珊妮的音樂中最重要的元素之一。從【華盛頓砍倒櫻桃樹】【乘噴射機離去】跟錄音室樂手羅希及錄音師、製作人袁述中合作，【我從來不是幽默的女生】由黃中岳彈奏，到【完美的呻吟】再找到前骨肉皮吉他手徐千秀，歷任合作吉他手各有特色，也都非常精準而稱職地為陳珊妮的創作找到各階段最適合的表達方式。

而【拜金小姐】的出現，有點像是向以 Blur 樂團主唱 Damon Albarn 與插畫家 Jamie Hewlett 為首的英倫卡通樂團 Gorillaz 一樣，或是和更早之前由 DJ Shadow、James Lavelle 剛組成超級二人組 U.N.K.L.E. 時類似，從視覺上就帶來跟各自發展煥然一新的識別印象，音樂內容也都刻意跟以往作了一點區別，通常是有更明確的主題概念，或是更天馬行空、胡說八道但理直氣壯得煞有介事。

DJ 小樹為破報寫了這麼一篇樂評。我很喜歡小樹在這篇（還有大部分每一篇啦）的句法結構，當然也還有其總是獨到的見解，很...聰明，就像陳珊妮、拜金小姐的音樂一樣。自娛娛人的歡樂基調，是很（後）現代都會生活的小布爾喬亞品味代表。

物質女孩的拼貼金夢：拜金小姐《拜金小姐 2》
文／小樹
藝人：拜金小姐
專輯名稱：拜金小姐 2
發行：五四三音樂站

應該不是這樣的，當朋友說我還在那不長進的學校繼續這樣瞎混下去也不是辦法的時候，我居然無法反駁。

應該不是這樣的，我好前幾年前本來真的心一橫要閃人時，學校出現了一個正馬陳珊妮把我留住。不是這學校無美女，其實還蠻多的，有愛扮波斯貓的、有搞七十二變的，但這正馬每天下課都乘噴射機離去，實在太有個性。當然也不是她真的把我留下來，因為我根本還沒有機會把到她。

應該不是這樣的，就在這幾年我發現學校很多女生發出她們前所未有的好聲音，原來是接受那正馬悄悄地指點。但那些女生開始變成旁人眼中更正的馬子，我心中的正馬仍然只有我（自以為）懂得欣賞。

應該不是這樣的，當我煩悶怎樣努力依舊無緣跟正馬聊天牽手時，心碎又驚喜地發現她跟一個香港來的女生李端嫻變成一個叫拜金小姐的小團體，跟許多我景仰的男生如徐千秀跟黃耀明及可樂王愈來愈過從甚密，原來她們想盡一切辦法要世界充滿野獸派馬子。

應該不是這樣的，搞笑不怕低俗的拜金小姐，竟然讓我重拾了上學的樂趣，且在我還沒完全學會小鳥探戈的舞步時，那個小團體居然再度變裝，教大家唱起《拜金國際俱樂部啦啦隊之歌》。

應該不是這樣的，可樂王這回搬出中國宋詞《點絳脣》之類絕學，到底是呼應著後方文山/周杰倫世代，從林俊傑到王力宏皆免不了在江南的竹林深處唱起東風破的現象？或者難道真如歌詞所唱的：「你一定可以打敗周杰倫阿呼嗚！」

應該不是這樣的，可是經過這些年政客拼命嚷著，凡事本土化的洗腦，我居然將這充滿中國意境(及宮廷想像)的歌詞，聽成一種異國風情的調味；還是這要怪那妝點巴洛克氣氛叫人忍不住華麗低感傷的大鍵琴？

應該不是這樣的，她們提起那個年代久遠的義大利型男 Gazebo（如今看來自然好笑至極）是這次的影響之一。真要命，歐陸舞曲這麼土俗的事，連當年的同志偶像 Jimmy Somerville 最近重出江湖都勉不了陷入自身的諷刺，她們俗人所不能俗、頹人所不能頹，簡直比裝清純的 AV 女優更挑逗！

應該不是這樣的，但那《拜金國際俱樂部啦啦隊之歌》中有句「偶像加加油／加油油」，應該是我此生聽過最噁心好笑的表達方式。

應該不是這樣的，可是看她們再度輕鬆地就成為全校最有玩興的人，讓我驚覺這學校真是宇宙無敵的難玩（BTW，本校名叫國語歌壇，耐不住無聊的別來就讀）。

應該不是這樣的，正馬們速度太快，急得我心中直喊這銀河鐵路，去向何處。

但我對這篇文章的喜愛甚至已經超過對拜金小姐、陳珊妮近來的音樂創作本身。總是那麼聰明、那麼白爛、那麼精準地玩耍著角色扮演的遊戲，這種虛擬幻想所製造出的歡樂往往無法持久，就像無論前戲進行得再多、性高潮的肉體歡愉也只能有短暫幾秒鐘一樣。side project 再怎麼好玩，都不適合「反客為主」，否則很快就膩了。但事實上我對久違的全新創作專輯【後來　我們都哭了】也不甚喜愛，因為我已經有點分不清這是不是另一張少了可樂王的歌詞和李端嫻開口唱的拜金小姐專輯了。陳珊妮在這裡放下機車的卡通美少女造型，卻轉向歌德鬼娃繼續在角色扮演遊戲裡樂不思蜀得意忘形，雖然獲得金曲獎的最佳製作人、最佳專輯、最佳女歌手大獎的多重肯定，但所有「好玩」的東西我們都在之前便聽她看她玩過了，而我還是覺得【當壞人還沒變壞的晚上在女巫店+不能忽略陳珊妮】【我從來不是幽默的女生】【完美的呻吟】這個階段的陳珊妮最「好聽」。

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嘿！再補一篇偷來的評析文章，剛好也是 07/14 同一天發表的哩，真巧呀。雖然也有英雄所見略同的部分，但整體而言內容寫得可比我這篇難免趕鴨子上架的凌亂文字既工整又有系統有深度多了。鼓掌拍手致意之餘，實在無法忍住不偷回來存著呀。

東方早報

珊妮 我從來不是幽默的女生

文 cipher 責任編輯 徐崚怡　 2005-7-14 2:34:09

將《後來我們都哭了》和《華盛頓砍倒櫻桃樹》連在一起聽是一個很有趣的體驗。10 年的歲月隨著陳珊妮的音樂顯得如此狂飆突進然而段落分明。10 年來她的聲音越唱越高，走到 2005 年就成了玫瑰花瓣黑絲絨圍繞下尖聲呻吟的哥特女王。回過頭再聽木吉他時代的 Sandee，那個酷酷的聲音低沉要擺力度的歌手真正令人恍然如夢。

若你是從金曲獎上爆冷獲獎才開始認識陳珊妮，若你想到她便是如妖婦的著裝和煙熏黑眼圈，若你知道她所鍾愛的玩具是 living death doll，若你熟悉的是從這些資訊拼貼出來的陳珊妮，大約會對《華盛頓砍倒櫻桃樹》大為驚訝。就連陳珊妮自己也說“我常常懷疑自己是不是真的做過這麼一張唱片，後來重聽它往往覺得像是別人的作品，可能來自一些我永遠不會認識的創作女歌手……這些我現在畫不出的東西是怎麼樣產生的，實在令人好奇。”

“和一種朋友在一起/看得到世界上最漂亮的一朵雲（陶醫生的柳丁）”是我至今聽過最好的對友誼的讚美。

“吃飯的時候有人伺候/那真是一種享受/我寫歌的時候/你正撈去湯裏的油/將來可要找個好老公/要懂得做菜/懂得生活/懂得我（女人生病的時候）”這種明明白白叫人喜歡的歌詞，簡單的都市人情，卻叫我如何不惦念歌聲背後延展出來的遼闊世界。

因為那種綿密溫柔的真實生活感受，1994 年發行的這第一張專輯《華盛頓砍倒櫻桃樹》至今仍是太多人心頭好。

《後來我們都哭了》算她最得到認可的專輯，畢竟爆冷的金曲獎捧了一個又一個。然而溫柔奢靡糾結的殘酷陷阱固然是好的創意，但珊妮的嗓子並不適合這種啜泣的甜美。雖然愛暴烈摩擦的《野火》和充滿自溺快感的《情歌》依然美麗得不禁令人歎息一句，到底是Sandee……

對自己變化，陳珊妮自己的評價則是：“……這我不知道要講什麼，這沒什麼啊。人一直長就會長成別的樣子。”

她應該是我見過性格最張揚的巨蟹座。她從不吝嗇告訴媒體，誰的吉他彈得實在太差，誰的唱功叫人幻滅，誰的音樂，哦天呢，他是創作型歌手，真是災難。對愛看熱鬧的人而言，她那種犀利而爽利的態度實在非常過癮。在陳珊妮的語言中，找不到溫柔嫻淑的平穩調調。這種自在自為的堅決個性也表現在她的詞曲創作中。歌詞中的意向大膽，用詞上從不挑食。像“隨時開放的性欲內衣不懷好意偷了別人的情。為你呻吟，不只是客套的激情”（《呻吟》），或者直截了當問候“我是那麼小那麼小那麼小心翼翼討您歡心/您興奮了嗎？”（《您興奮了嗎》）並大方送上吸氣聲。

1999 年《來不及》是 Sandee 為外婆過世而寫。因此初版的MV是一個冰冷泛青的停屍房中，豔裝的 Sandee 手持薄刃，逐步分解一具男屍。“我就是來不及送你/來不及為你唱首情歌/來不及為你變成好人/我就是來不及說一聲我愛你”在無可挽回的死亡面前，悔恨和傷痛的感情溢於言表。（當然這種MV肯定因為意識形態問題被禁止），在修改版的 MV 裏，金黃色光線籠罩，Sandee 一人分飾兩角，於是 living death 成為一首典型 triphop 的情歌。美麗固然在，然而缺口藏於死水，深沉的感情通過平庸的化妝才好方便見人，市場不需要也無法承受那麼多張揚的陳珊妮。

張洪量發新片對著記者說，我要讓陳珊妮相信，我的唱功沒有那麼爛……哈哈哈，大約是仗著自己不用在前臺走紅，而且也並不紅，所以陳珊妮能放心大膽持續這樣的“囂張”態度如此久。一定有人對這種“機車”個性大皺眉頭，然而為什麼不可以？有眼光，有性格，有天分，誰要 100 個劉若英。或者有女權運動員來不及找來桂冠拋過去，而 Sandee 對此的回答是“被人說女權也太不時髦了吧……”

也許這解釋了她音樂風格上同樣無可奈何的強勢。無論作用在誰身上，那一份悠長令人無限設想的詩意令得她的詞曲創作總是那麼易於分辨。於是我們有了陳珊妮的鄭秀文，陳珊妮的伊能靜，陳珊妮的謝霆鋒……甚至，陳珊妮的黃耀明。人山人海強大 cover 功能，如同火鍋湯一般燙什麼進去出來都一個人山人海味，卻沒覆蓋掉 Sandee 的印記。收錄在 2000 年《光天化日》中的這首《深藍色》，和黃耀明那時金屬聲相得益彰。然而，一耳聽去，分辨出的首先是陳珊妮作品，而非人山人海的圖章。

和 Sandee 交往甚密的詩人夏宇，在《她曾經是我的最愛最鋒利的小刀》中這樣寫道“有一個歌手張著純潔的羽翼也披著撒旦的黑衣/對你吟哦泡沫一般的愛情/對你詠歎殘酷真實和死亡/洞悉世情的眼/在純稚的臉上張望/痛並快樂著。我們叫她陳珊妮/有時候生活可以輕鬆一點/喝罐裝咖啡/微波速食調理包/穿成衣工廠大量生產的衣服……但是聽音樂要堅持，我只聽陳珊妮。”

這實在不是一首好詩，然而對於陳珊妮，在這樣簡單明瞭的勾勒之外，我還能再說什麼呢？

　　我說我們不過是小灰塵是小灰塵
　　我說音樂也只是小灰塵是小灰塵
　　———《小灰塵》from《後來我們都哭了》

　　 　 　

亂彈阿翔

昨天寫了伍佰 & China Blue，順著台語搖滾的脈絡，今天計劃要介紹的是亂彈阿翔。但是因為還有別的稿子在趕，而我的進度是零，所以只好先整理個一篇半的舊稿權充墊檔，然後加油添醋多少再補充點什麼。自認還是夠紮實的介紹文字，舊稿部分回顧了亂彈和亂彈阿翔單飛後到不插電現場演唱精選【Unplugged: 2003 赤腳不辣巡迴全記錄】與台語專輯【最近的我】之前的作品。

（亂彈阿翔 - 良心 2004 版）

對亂彈的第一個印象當然是那首《良心》。那一陣子飛碟唱片也算打很兇了。她們在 Channel[V] 頻道出現演唱著《良心》，把音量調大，媽媽說妳那麼大聲幹嘛？這些是什麼人怎麼長得這麼醜？這是歌仔戲的什麼什麼調嘛。（什麼什麼是我忘記了）我終於有媽媽也聽得懂的吸滴了。嘿嘿。在發片日那天就急急跑去買了回來。《良心》是個不錯的跨界結合嘗試，尤其她們的名字還叫做「亂彈」，自然期待著整張都是像《良心》一樣向傳統民俗曲調借火的本土搖滾樂。可是沒有了。就這麼一首而已。就好像 Kula Shaker 也只有那麼一首不印不英同時又既印且英的《Govinda》而已。

一開始錯誤的期待讓我拆封後只隨便大略聽了一遍便感到不符預期的失望。過了一個禮拜才又重新拿出來細細品味。

開頭曲《月光光》就很讚了。形色行止還算從容不迫但卻仍掩不住心慌慌的感覺。

然後是《良心》。其實就那麼兩三個和弦，跑的五聲音階也很簡單，歌詞講的也很「勸世歌」的基調，可是把戲曲勸世歌搖滾化起來畢竟大致還算另闢蹊徑，雖然並沒有弄上南管北管嗩吶鑼鼓什麼的編制，至少還是比趙傳什麼概念都在歌詞裡說盡道足的《中國搖滾》好聽多了。尤其喜歡「抬頭來三尺是有神明... 」的段落轉調成大調音階，讓我又另外想起竇唯的《希望之光》《明天更漫長》... 等作品也是這樣。驟然一片光明籠罩。：）

然後是第二「主打歌」，三拍子的非情歌的迷幻的《希望》。然後是很不拔辣的情歌的《寒風刺骨的思念》。然後是一點點踢死狗節拍的《來不及留住妳》然後是我也不知道怎麼形容的慢歌《午後雷雨》《收藏》，再然後則是一樣不會形容的《妹妹》，嗯... 本來以為會是像張震嶽《把妹》那種痞痞的調調，如果刷扣再重一點就爽了，至少可以像伍佰的那首《背叛》一樣可愛嘛。然後是台語詞的《平常心》和《你咁有在聽》。不管是伍佰五月天脫拉庫還是亂彈，也不管是快歌還是慢歌，似乎都是台語詞的搖滾作品會更有生命張力。所以蔡振南陳明章林強侯孝賢也都很讚。葉樹茵最好聽的歌是《傷心無話》。聽說陳小霞的新專輯也即將問世。

結果三四年過去，陳小霞的新專輯仍不見蹤跡...orz

亂彈阿翔【鹹豆漿】電影原聲帶

【偏見搖滾筆記】


藝人：　　亂彈阿翔 （Luantan Ascent）
專輯名稱：【鹹豆漿】電影原聲帶（O.S.T. - Brave 20）
發行公司：赤腳不辣（Chockablock Music Studio）
發行日期：2003 年 7 月 7 日


如果我告訴妳說鹹豆漿是可比食神黯然銷魂飯的人間美味，那我不是沒見過世面的鄉下土包子，就是說話不誠懇的鄉愿者，或者，我的老爸其實就是豆漿店老闆。如果我告訴妳說【鹹豆漿】是近年來最精彩的台產電影製片，請不要接著問我第二精彩的國片是哪一部 -- 老實說，我根本還沒來得及看過【鹹豆漿】就已經匆匆下檔了。如果我告訴妳說【鹹豆漿】電影原聲帶好聽到耳朵出油，勢必是明年金曲獎大熱門，其實我對掌握咱們金曲獎評審的口味實在沒什麼信心，但是好歹過去她們曾經兩度選擇了亂彈作為最佳樂團得主... 嗯，得不得獎其實一點都不重要，如果我說【鹹豆漿】電影原聲帶值得一聽，那我真的是認真誠懇地在作推薦。

我知道妳也沒看過電影的機率很大。我知道所以妳會擔心如此會找不到聆聽原聲帶最舒服的姿勢和角度。可是其實音樂本身是可以獨立於電影之外的。如果原聲帶總是只能賣給看過電影的人，那設定的目標群眾也太小了。因為這是亂彈阿翔自立門戶自創品牌「赤腳不辣」的精心創業作，這就足以構成找來一聽的所有理由了。

從跟亂彈團員們集體作戰的《希望／良心》、《麻痺／不一樣的朋友》，到以個人身份推出的《久違了／絕口不再提》，再到跨刀包辦何欣穗【她的。發光搖擺】的主要吉他彈奏部分，然後正式推出首張個人專輯的《一陣風／不要奇怪》，再到把自己的錄音室「赤腳不辣」擴大升級為獨立唱片廠牌，為電影【鹹豆漿】製作配樂，甚至還在電影中尬了一個角色，飾演一個在 pub 走唱的流浪歌手，亂彈阿翔一直給了我們一個個性鮮明始終如一的形象：總是少了兩顆扣子的條紋花襯衫和豪邁的胸膛、洗白的低腰破牛仔褲、聽似歷盡滄桑的憂鬱嗓音、有點頹廢的 grunge 長髮、爬滿鬍渣的下巴、瞇成一直線的善良雙眼、靦腆的笑容，還有一旦背上吉他所發射出來的萬丈光芒。妳會以為私底下的阿翔如果不是抽長壽菸，就會是紅色 Marlboro 的愛用者。喝咖啡大概不加奶精不加糖。大碗陽春麵、一盤炒羊肉、一盤青菜炒肉絲、一碟滷蛋海帶、半手台啤就可以很滿足。He is the Man。

Indeed，亂彈阿翔 is the Man。搖滾的阿翔彈起電吉他時，總是使用著那足以稱之為個人招牌、非常容易辨認的麻辣 distorted/compressed tone，粗獷、破裂，但是情緒不至於扭曲甚至瘋狂；微微刺痛，但尚在可忍耐的範圍，有點壓抑。一言以蔽之，就是「麻」。從這種「麻」的情緒基調作為出發，即使阿翔從來稱不上是某種技術本位的吉他大師，但從其信手拈來的樂句當中俯拾皆是一種稍縱即逝的靈光乍現。而放下效果器改玩木吉他的阿翔，手指撥動之間流瀉出的則是一種近乎晴天午後黃金色陽光的透明澄澈。對比於粗獷形象的細膩。這種難以拷貝、難以模仿的天才洋溢，讓阿翔的音樂作品總有一種難以言喻的獨特氣質，跟音符彼此熟悉得像是多年老友而不會顯得匠氣，原始草根、少作刻意修飾但又充滿與生俱來優雅的人文氣息。這種獨特的個人作品特質，讓阿翔的音樂創作可以獨立於個人形象之外、超脫於歌詞意境之外、凌駕於音樂為影像服務的原始動機之外，自成一格、自有自己頑強而吸引的生命力，素人搖滾詩，學不會迎合通俗，她們其實是藝術。He is the Man。

然而我們很難直接把【鹹豆漿】電影原聲帶視為阿翔的「另一張音樂作品」而已。畢竟，這不是一張由音樂人角度理解電影【鹹豆漿】之後有感而發所產生的「電影概念音樂」，而是真的照著導演所開出的需要，在剪接室裡一邊盯著小小的監看螢幕右下角精準至 0.01 秒的計時單位，一邊譜寫出配樂，務求能夠讓每一個音符都能跟每一格畫面所傳達的情緒緊密結合，這是只能在受限制的創作空間中作發揮、實際用在電影之中的「電影配樂」。阿翔先作出了一段貫串全場的主旋律（main theme），然後由此發展為編曲不同、情緒亦異的幾段曲目，以吉他為底，輔以鋼琴、弦樂或三件式的搖滾編制，呼應著劇情的情緒起伏，各自展現了沉潛低調的簡約撥弦，或者大步前行的吉他搖滾段落。

除了純音樂的編寫演奏之外，阿翔還發聲主唱了兩首中版抒情歌《無路可退》《我不會留妳下來》，各有現場和錄音室兩種版本。《無路可退》兩個版本之間的差異還不明顯，但透過那滄桑世故的低啞嗓音所散發出來的情緒濃度可直逼阿翔過去《你咁有在聽》《海邊坐》《絕口不再提》等經典抒情舊作。《我不會留妳下來》則明顯區分為搖滾節奏的張牙舞爪現場版及緩緩低吟深情暗迴的錄音室版，表達情緒落差之大不但跟一魚三吃的配樂概念不謀而合，又不至於顯得只是炫耀本身的編曲能力或者甚至只是偷懶湊曲目填滿時間而已，兩個版本所營造出的迥異情境通通可以成立得理所當然，充滿說服力。於是整張原聲帶一路聽下來，處處充滿聽似熟悉的主旋律但又在大小細節上都顯得變化多端匠心獨具，情緒互異但卻一樣充滿強烈的張力。

即使未能在電影院欣賞到這樣別出心裁的音樂製作跟影像劇情的搭配如何，但妳幾乎還是可以在阿翔的音樂裡自動編織出一個又一個完整的畫面：征服聯考、或者被聯考征服的夏天，迎風騎著機車雙載、不知道這條柏油路通往哪裡、不知道算不算愛情的兩個人，無視小市民生命的酸甜苦辣悲歡離合而始終保持西沈東出的大太陽......還有，對社會世俗有些怯懦、但對自己感覺勇敢的，二十歲苦澀甘甜青春回憶。如果阿翔的【鹹豆漿】獨立聽來都仍是有畫面的音樂，那麼這樣的電影配樂該算是成功的罷。

油條、蔥花加生蛋、一點辣油，鹹豆漿。范植偉、馬志翔、黃嘉千、吳姵文、陳泰翔、王明台、勇敢的二十歲，鹹豆漿。亂彈阿翔、赤腳不辣、無路可退、我不會留妳下來，鹹豆漿。在啷噹二十歲時，急切地想要向世界證明什麼，所以無論愛、恨、說話、生活都很用力的人生階段，人人都經歷過。鹹豆漿不是什麼高貴的御廚美饌，也趕不上西式速食餐點大作廣告的流行風潮，但包羅盡有的豐富材料可以踏實地充飢解饞補充營養，當中百味雜陳只可意會難以言傳。

而亂彈阿翔一曲多用、一魚三吃、各有各精彩的配樂概念，也是這樣。不嘩眾取寵、不求一鳴驚人，但細細品味這樣用心譜寫而成的音樂，每個人那一段雙十年少的青春回憶大概也都會隨著阿翔的音符，如跑馬燈浮光掠影地閃過腦海中，忽然讓妳想起了什麼，也許微微刺痛，或者會心微笑。用力活過的、勇敢的二十歲，就像那一碗什麼味道都有的鹹豆漿。

█ BIAS July 2003

跟昨天談到伍佰【枉費青春】那場現場錄音我有到場參加一樣，赤腳巡迴我也親臨現場恭逢其盛參與了大部分的場次。狗毛兩年前發表的現場演唱專輯【LIVE IS LIFE】那晚我也有在河岸留言看完表演。甚至 bonus VCD 中有一部份的 live 影像還是我幫忙捕捉的（其實只是幫忙扶著攝影機腳架而已啦）。

搖滾樂的現場演出魅力真的總讓人難以抵抗。雖然我個人並不是很喜歡亂彈阿翔這次的 unplugged 演出方式。所謂「不是很喜歡」，主要原因在於因為只有阿翔自己一個人一把吉他的自彈自唱，編曲時勢必需要犧牲掉一些東西，簡化過頭的話就變得太簡樸純粹，聽者完全只能聚焦於歌曲旋律和阿翔的唱腔上頭，而沒有其他「炫點」。這種形式的表演，如果能多一把吉他伴奏，甚至再多加一個 percussion 手打節奏，呈現出來的音樂應該會更豐富許多。

之前談到美國 grunge 大團 Alice in Chains 的時候就曾介紹過我對她們【MTV unplugged】不插電專輯的喜愛。我是指，我不是不懂欣賞 unplugged 音樂、非得兇狠剽悍甩頭轟雜才聽得下的冥頑滾客。但對於亂彈阿翔前年的那一系列赤腳巡迴，我是不太欣賞堅持由一人自彈自唱獨力完成的表演方式的。一個人搞定的表演形式當然有其侷限，而沒有說出口的另一個原因可能是，那個階段的阿翔似乎有些排斥跟其他音樂人合作，怕溝通上會有額外的麻煩。獨力完成的音樂，如果是錄音室作品，那就可以借助電腦硬碟錄音的方式反覆混搭音軌，仍然能作得很豐富多元，但如果是現場演唱，只靠一把吉他自彈自唱，那要彈奏得更多元豐富就需要更用心編排編曲結構才辦得到了。而這是兩年前的赤腳不插電巡迴系列中沒有作到最好的部分。大部分自彈自唱時只能作到壓著和弦刷呀刷的，總是少了點什麼。我個人還是覺得有點可惜。

然後是入圍金曲獎可惜槓龜的【最近的我】。全台語專輯，原始動機當然跟伍佰作【樹枝孤鳥】【雙面人】有點接近吧。因為那是創作人本身的「母語」，必定也更能貼近部分的生活、文化背景而自然而然有其用生命參與所堆砌出來的張力呀。但即使我對其中《心內的話》這首歌特別情有獨鍾，幾乎每聽必哭、淚濕滿襟，卻也為【最近的我】主題太偏向男女情愛而感到一絲小小遺憾。我本以為《天公伯啊》這種歌名，會跟豬頭皮在台灣人權發聲第一章【美麗之島．人之島】中的《天公伯仔》一樣，站在悲天憫人的角度控訴蒼天無情、以萬民為芻狗的社會關懷，想不到亂彈阿翔的《天公伯啊》仍然是情歌，取這種歌名大約就是愛到呼天搶地這麼深刻罷。好聽歸好聽，我還喜歡《找人》《愛人啊》等，但是一整張專輯有七八成都是在這種主題上打轉的話，創作視野似乎就稍嫌狹隘了點。會太濃膩了。

《鄉下俗》有伍佰《樓仔厝》的搖滾版之感，如果我擁有決定權，個人會希望把歌名改為《庄腳俗》，應該會更有味道。我喜歡《我等彼工來》的編曲，很...《良心》《卜卦調》那種融入南北管俗民音樂元素的台客搖滾調調，是我個人最期待在台語搖滾中聽見的生命力，但在尾奏部分氣勢稍弱了點，我總是在幻想如果阿翔在這邊用上類似周杰倫慣用的主副歌段落堆疊混音方式，感覺和氣勢應該都會更強烈。畢竟《我等彼工來》前奏的 guitar riff 才是最 catchy 的 sound-hook，現有成品的尾奏太簡單了，有湊小節混時間之嫌。《找人》找了最近準備浮出主流檯面的地下樂團輕鬆玩吉他手兼錄音師小毛及鼓手阿貴合作，我尤其喜歡進副歌時大開大闔的 hi-hat 打法，積壓著的鬱悶情緒到這邊似乎會隨之豁然找到出口流洩奔放而去，聽完會舒坦許多。

即使主題有些許侷限性，【最近的我】仍是一張水準之上的台語搖滾專輯。我對歌詞部分不太滿意，而錄音也不能說夠精緻，有些細節還聽得到一些小小凸槌但得過且過無妨的瑕疵。當然，對於講究真實的音樂創作者而言，偶爾的小小凸槌總比修飾到像機械化量產出來的罐頭產品好多了，這是一種價值觀的選擇。只不過我在其中仍隱隱感受到獨立製作、發行所受到的成本預算限制。應該可以作得更好的。


我還是對亂彈阿翔充滿信心，有能力可以作得更好的。但前提如果咱台灣樂壇的環境允許、而阿翔也有意願朝向我自己個人心中所期待的方向（多找更多更好的音樂人合作而非單打獨鬥、不堅持只在獨立廠牌底下發行而願意在主流體系中增加可運用資源等）去堅持的話。如果擔心必須被強迫作更多妥協，參我一腳吧，我又便宜又好用又好溝通又一定會努力幫忙顧及創作者的理念的啦。

　　 　 　

Oblivion Dust

昨天發現家裡電腦又中毒，又剛好臨時被拉上山度週末，所以今天可以 blog 的時間有限。總之照前幾天的文章脈絡，這幾天再來應該都還會是日本搖滾團。bingo~ 答對了，可惜又是個已經解散的組合。



嚴格來說，她們 1996 年剛出道時整個日本搖滾圈就已經漸漸不再流行紅藍綠紫的蓬頭染髮和雌雄莫辨的化妝，所以大概已經不太符合「視覺系搖滾」的操作型定義了吧。但從音樂本質、從其在搖滾圈的血緣、親屬關連來看，她們卻又仍是那幾個視覺系大團不折不扣的兄友弟恭姊妹親愛團。為您介紹：Oblivion Dust。

因為時間不夠、也因為偷懶，我又來資源回收再利用了。1999 年寫的舊文章了，介紹 Oblivion Dust 的第三張專輯【reborn】而寫，還投稿到當時剛創站沒多久的 MTV Chinese 網站上，現在好像還找得到遺跡哩。網站編輯加註的評語很有趣：（老編註：本篇將是繼豬老師自創之樂評後，另一篇艱澀之鉅作，不讀則已、一讀驚人，乃為茶不思飯不想的「練功」必備良藥。） 這應該算是我第一次在比較正式的媒體上發表音樂文字又受到公開的鼓勵與回應吧 -- 聽說有稿費，不過我一直沒拿到，算了反正也沒多少好計較 -- 對我而言更有實質意義的是，現在回頭看自己小時候的文字還真有點臉紅，可是也有點可愛，喔喔喔原來很久很久以前我也曾經這麼熱血積極過哩。

【偏見搖滾筆記】

藝人：　　Oblivion Dust（末日之塵）
專輯名稱：ReBorn（新生）
發行公司：Motorod / Avex Trax（艾迴音樂)


Oblivion Dust 重生...或者自我毀滅


日本另類搖滾新貴 Oblivion Dust（末日之塵）之所以能受萬眾注目，一方面固然是其英日混血的主唱 Ken Lloyd 乃日本 MTV 台專門介紹英美 indies 音樂的知名當家 VJ，另方面，吉他手 Kaz Iwaike（岩池一仁）則曾受已故視覺系搖滾龍頭樂隊 X-JAPAN 吉他手 hide 賞識提攜加入其個人樂隊 hide with Spread Beaver。或許也因 hide 居中牽線之故，hide 另一支國際 all-stars 陣容同屬 Avex 旗下的 industrial-rock 樂隊 zilch 陣中鼎鼎大名的前工業先驅「The Professionals」「Prong」現 zilch 之吉他手 Ray McVeigh 一連為 Oblivion Dust 打造監製了兩張專輯《Misery Days》與最新這張《Reborn（新生）》。

初次接觸 Oblivion Dust，很容易聯想到 Smashing Pumpkins（非凡人物）、Radiohead（電台司令）、The Verve（神韻），甚或 Suede（麂皮）、中晚期後 Beyond 等樂隊的一些中慢板作品。這幾個樂隊的共通點，容我偏頗地歸納，在於其吉他構築的噪音音牆外，簡約唯美旋律所透露出的，輕淡不失優雅的憂傷氣質。而 Oblivion Dust 與這些樂團不同的地方在於 Oblivion Dust 的創作特別是那些中慢板創作雖同具憂傷氣質，但在 Kaz 吉他層層搭疊架構有如夢境般迷幻的朦朧音場中，Ken 缺失情緒抑揚的低調唱腔比之 Billy Corgan、Thom Yorke、Richard Ashcroft、Brett Anderson...等人卻並不如斯自溺頹廢而終至不可扼抑的境地。相較之下，Oblivion Dust 顯得更加冷漠蒼涼，彷彿一個拒絕施打麻醉藥劑的傷者，冷靜地去感受世紀末殘酷加諸己身的苦楚，卻是那樣地不置臧否，那是何等低調哀傷兼且絕望！就此面向來說，即使是較重型、較工業、較快板的曲子，亦是同樣冷酷但不憤世嫉俗不歷歷控訴而只有無情宣洩，迷幻而不麻痺，哀傷而不耽溺，使人在 Oblivion Dust 的音樂中確實感受到身處末世裡的滅絕孤寂。

新專輯的音場處理顯然已從 Misery Days 的夢幻朦朧中理出一個更明晰的頭緒，無論是吉他、貝斯、鼓擊或是用以畫龍點睛的 scratching（有 Beck 的班底 DJ Swamp 出手刮碟）及各種電子聲效與 drum loops，都有更為清楚明確的表達，加以團員們演奏技藝的精進，新入替鼓手 Souta Oofuruton（大古殿宗大）的迅速融入隊型之中，在在都使 ReBorn 專輯足以證明不論是其漸成一家之言的低迷 rock-ballads（個人尤偏見鍾愛 ALIEN）、流暢明快時興的 electronic-alternative（偏見推薦 SUGAR FREE），抑或有排山倒海磅礡之勢的失序工業搖擺（NO MEDICATION 在迷離的電聲敲擊外還加入 DJ Swamp 的刮碟，效果不俗），各類曲式在 Oblivion Dust 手下都已可游刃有餘地將之作得有聲有色有型有款。No matter they choose to reborn or self-destruct，Oblivion Dust 都該是屬於酷異末世最貼切的選擇。

BIAS December 1999

四人編制樂隊 Oblivion Dust 的靈魂人物該算是英日混血主唱 Kentaro "KEN" James Shibuya Lloyd 與吉他手 Iwaike "KAZ" Kazuhito，另外三位團員（包括兩位先後任鼓手）我實在不熟悉。她們在 2000 年 11 月發表第四張專輯【BUTTERFLY HEAD】之後很快就宣布拆夥，並在 2001 年 8 月便以精選輯【RADIO SONGS Best of Oblivion Dust 】作為正式的告別。然後 KEN 跑去跟前 LUNA SEA 吉他手 INORAN 組成了二人組 FAKE?，至今已經推出【BREATHE IN...】【TOMORROW TODAY】【THE ART OF LOSING TOUCH】【MADE WITH AIR】四張專輯。而 KAZ 也跟一位美日混血女主唱 ANNA 有了自己的二人組 Spin Aqua，發表過一張專輯【Pisces】。不過 Spin Aqua 已經因為 Anna 懷孕生子而停止活動，所以 KAZ 又跟 hide 的最佳戰友 INA（稻田和彥）（zilch、hide with the Spread Beaver、DopeHEADz）組成了 SONIC STORAGE。並在去年年初曾聯同前 LUNA SEA 貝斯手 J 加入了韓國搖滾歌手 SeoTaiJI 的幕後製作班底，合作完成其第七張專輯【7Th Issue 】。

現在回頭來複習 Oblivion Dust 發表過的作品，我想我個人還是最喜歡 1999 年我寫過上頭那篇專文介紹的【ReBorn】專輯。那是融合了前幾天介紹過 hide、zilch、Luna Sea、L'Arc~en~Ciel 等樂隊即使路線接近、都不一定能作出一樣風味的精彩傑作。在英式龐克／工業搖滾達人 Ray McVeigh (The Professionals、Prong、zilch) 連續為 Oblivion Dust 操刀三張專輯後，幾乎可以說一張比一張更進步、更精準掌握住 Oblivion Dust 末世疏離的特色，1999 年這張【ReBorn】和同年參與向已逝的好友、貴人、恩人 hide 致敬的【hide TRIBUTE SPIRITS】所翻唱的失序工業狂亂單曲《限界破裂》，也約莫都可以算是 zilch 驚世經典遺作【３‧２‧１】的副產品。科幻、未來，而且摩登，疏離、酷異，但是帥勁。



而即使把那些比較工業的、科幻的 cyber-rock 電氣搖滾元素抽離，光憑這一首慢版抒情曲《ALIEN》，我就願意給【ReBorn】一百分的五星滿分評價，並把 Oblivion Dust 排列在個人的一生摯愛團前三十名之內。襪～有沒有這麼屌呀？嗯，一聽就瞭了唄。


圖片是從 + psyanide ~ oblivion dust、Imitation #6 這些 fansite 偷來的。還有一個韓國站有 2000 年時的訪談，不過我當然看不懂。